Carrie Megan wurde 1958 geboren und verbrachte ihre Kindheit und Jugend in New York City, wo sie ihre künstlerische Karriere als Grafikdesignerin begann und ein Praktikum beim legendären Illustrator und Designer Milton Glaser absolvierte. Derzeit lebt sie in der Gegend von Boston, wo sie sich im Laufe der Jahre auf die bildende Kunst verlagerte, zunächst als botanische Künstlerin und in den letzten Jahren als abstrakte Landschaftsmalerin. 
Erzählen Sie uns Ihre Geschichte. Warum sind Sie Künstler geworden?
Kunst zu schaffen, lag mir schon immer im Blut. Mich selbst als „Künstlerin“ zu bezeichnen, musste ich mir jedoch hart erarbeiten. Zu Beginn meiner Karriere konnte ich meine kreative Energie größtenteils in das Grafikdesign lenken. In der Vor-Mac-Ära befriedigte ich jahrelang meine kreative Energie mit dem Anfertigen von Skizzen für Marken und Verpackungen sowie dem Erstellen von fein gearbeiteten Prototypen. Als sich mein Leben durch Heirat und die Geburt meiner drei Kinder veränderte, bot sich mir die Möglichkeit, verschiedene künstlerische Ausdrucksformen zu erkunden. Einige Jahre lang entwarf ich eine Reihe dekorativer Kunstwerke für Kinderzimmer und nahm dann spontan an einem Workshop für botanisches Zeichnen teil. Daraus entwickelte sich eine zehnjährige intensive Beschäftigung mit der Kunst, wissenschaftlich präzise Aquarelle und Zeichnungen zu erstellen und diese Fähigkeiten zu vermitteln. Mit der Zeit entwickelte ich den Wunsch, größer und ausdrucksstärker zu arbeiten. Daraus folgte die Reise, auf der ich mich heute befinde: Werke zu schaffen, die von der Natur beeinflusst sind und mir dennoch die Freiheit lassen, intuitiv zu arbeiten. Nach all diesen Jahren des Entdeckens und Aufbaus meiner künstlerischen Praxis fühle ich mich endlich wohl dabei, mich als Künstlerin zu bezeichnen.
Wie gehen Sie vor, wenn Sie ein neues Werk schaffen? Was kommt zuerst?
Eine Sache, die ich aus meiner Zeit als Grafikdesignerin mitgenommen habe, ist das Konzept, ähnliche Produkte auf dem Markt zu prüfen. Bevor ich ein neues Werk beginne, schaue ich mir gerne die Arbeiten anderer Künstler an. Ich habe eine große Sammlung von Kunstbüchern und habe festgestellt, dass Instagram eine fantastische Quelle für die Betrachtung von Arbeiten ist. Für zusätzliche Inspiration schaue ich mir meine eigene Fotobibliothek an. Was für ein Segen das iPhone ist! Sobald ich einige Ideen habe, was ich malen möchte, mache ich einige sehr „nudelige“ Skizzen, um eine Richtung für die Komposition zu planen. Ich grundiere alle meine Leinwände mit einem orangefarbenen Grund und trage die Seiten in einem neutralen Grau auf. Wenn ich eine Idee für meine grobe Komposition habe, setze ich meine Horizontlinie entweder niedrig oder hoch, um eine kompositorische Spannung im Werk zu erzeugen, und zeichne dann einen lockeren Block. Von diesem Punkt an arbeite ich in Schichten und verteile die Farbe mit Spachtel und Rakel. Ich versuche, locker zu bleiben, um Zufall zuzulassen. 
Was können Sie uns über Ihr Studio erzählen, was macht es für Sie besonders und wie beeinflusst es Ihre Arbeitsweise?
Ich habe das Glück, in meinem Haus Platz für ein Atelier zu haben. Nachdem alle meine Kinder ausgezogen waren, habe ich eines ihrer Schlafzimmer zu meinem Atelier umgebaut. Durch zwei Fenster mit Blick auf mehrere Eichen, Ahornbäume und eine Magnolie fällt herrliches Licht aus dem Süden hinein – eine wahre grüne Wand. Ich habe LED-Einbauleuchten und einen Abluftventilator über meiner Palette installieren lassen. Neben dieser und meiner Staffelei habe ich meinen Mac in einer Ecke zwischen den beiden Fenstern aufgestellt und einen großen Zeichentisch, um meine Bilder für den Versand vorzubereiten. Ich habe alles so, wie ich es möchte, und kann problemlos zwischen Malerei und Kunstgeschäft wechseln. 
Gibt es in Ihrem Leben ein Kunstwerk, das Sie besonders beeindruckt hat?
Ich könnte nicht nur ein Kunstwerk nennen. So viele Künstler haben mich in meinem Leben beeinflusst. In meiner Jugend war ich völlig vernarrt in Georgia O'Keefe und ihr Gemälde „Music, Pink and Blue No.2“. Joseph Cornells‘ Schattenboxen und Robert Rauschenbergs Collagen weckten mein Interesse daran, eigene Werke mit gemischten Medien zu schaffen. Matisse‘ „Cut Outs“ beeinflussten zweifellos meine Arbeit als Grafikdesigner und Degas‘ „Tänzerinnen“ zeigten mir die Meisterschaft im Wechselspiel von Schichten warmer und kalter Farbtöne sowie in der Schaffung dynamischer Kompositionen. Als ich in New York aufwuchs, hatte ich Zugang zu Museen und Galerien, die mir die Welt der Kunst eröffneten. Heute stehen mir der MFA, das ICA und die Galerien im SOWA in Boston zur Verfügung, um meine Fantasie zu beflügeln.
Greifen Sie nach den Sternen: Wo werden Sie in 5 Jahren sein?
In fünf Jahren werde ich 70 Jahre alt. Ich hoffe, dass ich mich als Künstlerin weiterentwickle und weiterentwickle. Mein Ziel war es, mich immer weiter von der Repräsentation hin zur Abstraktion zu bewegen und dennoch Werke zu schaffen, die den Betrachter emotional berühren. 
Porträt von Beth Shedd
