Robert Szot (geboren 1976 in Morristown, New Jersey) ist Autodidakt und arbeitet seit 20 Jahren als Künstler in New York City. Er hat seine Werke in zahlreichen Galerien in den USA ausgestellt, von New York über Los Angeles bis nach Texas. 
Wie sind Sie zur Kunst gekommen?
Kunst und die Idee, Künstler zu werden, kamen für mich erst mit Anfang 20 in den Fokus. Ich habe nie Kunst studiert und bin Autodidakt. Ich glaube, meine erste wirkliche Verbindung zur Kunst entstand, als ich während einer Romreise zum ersten Mal die Werke von Egon Schiele sah. Ich war fasziniert von Schieles scheinbar einfacher Verwendung von Linien und Farben und war ziemlich überrascht, wie sehr sie mich beeinflusste.
Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben? Was macht Ihre Kunst besonders?
Ich würde es als reaktiv bezeichnen. Ich reagiere in meiner Malerei auf den Moment und plane oder konzeptualisiere nie im Voraus, wie ein fertiges Werk aussehen wird. Planung nimmt die Spontaneität aus der Gleichung und zerstört die Überraschung, und ich liebe diese Aspekte meiner Arbeit. Es ist keine Unentschlossenheit, wohlgemerkt, es ist intensive Konzentration und unmittelbares Handeln. Diese Praxis hilft mir, meine Individualität stärker mit meinem Werk zu verbinden, und es ist diese Selbstdarstellung, die meine Arbeit besonders macht. Zumindest für mich. 
Wie gehen Sie bei der Entwicklung Ihrer Arbeit vor?
Ich begrüße Veränderungen und nutze Chaos, um Bewegung und Geschwindigkeit auszudrücken. Ich gehe ohne vorgefasste Meinungen oder strenge Pläne an meine Bilder heran – ich folge dem Werk, wohin es mich führt, und lasse mich von Farbe und Komposition leiten, anstatt Informationen in das Werk einzubringen. Es sind deutliche Spuren der Suche zu erkennen, gepaart mit der Bereitschaft zur Destabilisierung. Ich nutze Risiko und Chaos, um zu manchmal schwer fassbaren Schlussfolgerungen zu gelangen. Ich wähle Farben intuitiv und ignoriere traditionelle Grundsätze der Farbtheorie und akademischere Ansätze der Kunst – das Ergebnis sind Werke, die überraschen, Energie verleihen und über sich hinauswachsen. Kompositionen fügen sich zu Bildern zusammen, die sowohl harmonisch als auch in sich bewegend sind und den Betrachter mit einer Geschichte belohnen, die sich langsam auf persönlichere und nachhaltigere Weise entfaltet. Ich kombiniere Vielfalt mit klarer Urheberschaft – mein Ziel ist es, tiefgründiges Geschichtenerzählen durch Kommunikation in einer gemeinsamen visuellen Sprache zu erreichen. 
Wer oder was beeinflusst Sie?
Ich bin davon überzeugt, dass konsequente Arbeit konsequente Arbeit hervorbringt. Ich lasse mich von nichts direkt beeinflussen – zumindest nicht bewusst. Man muss versuchen, jeden Tag zu arbeiten, auch wenn einen die Idee nicht besonders begeistert. Nur durch den Dialog zwischen einem selbst und dem, was man schafft, entstehen wirkungsvolle, persönliche und bleibende Bilder, die einen direkt ansprechen. So entsteht große Kunst.
Was planen Sie als Nächstes?
Ich habe erst vor Kurzem begonnen, mich aktiv in meiner lokalen Kunstszene zu engagieren. Durch kleine Malworkshops, die ich in meinem Atelier veranstaltete, hatte ich das Vergnügen, mit anderen Künstlern in Los Angeles und New York City in Kontakt zu treten. Es war eine ganz neue Erfahrung für mich und ich hoffe, diese Kontakte weiter zu vertiefen – ich bin überrascht, wie viel ich bereits von ihnen gelernt habe.
Was meine persönliche Arbeit betrifft, bereite ich mich auf eine Ausstellung in Korea im nächsten Jahr vor – es wird meine erste internationale Einzelausstellung sein und ich bin sehr gespannt darauf. 
Instagram
