Aleks Crossan wurde 1976 in Wien als Tochter eines amerikanischen Vaters und einer kroatischen Mutter geboren. Sie wuchs in der Schweiz auf und zog vor elf Jahren mit ihrer Familie nach Tasmanien, Australien, um neue Abenteuer zu erleben. Die Kunst begleitet sie schon ihr ganzes Leben lang. Sie begann in jungen Jahren mit Zirkus, Clownerie, Tanz und Schauspielerei. Mit 20 gründete sie ihre eigene Tanzkompanie und komponierte Musik, arbeitete als Synchronsprecherin für Animationsfilme und findet nun mit 40 nach einem Leben als darstellende Künstlerin ihren Weg in die bildende Kunst. 
Wie sind Sie zur Kunst gekommen?
Ich bin seit meiner Kindheit kreativ. Mein größter Traum war es, Clown im Zirkus zu werden. Es gab einen Jugendzirkus namens „Kinder Zirkus Robinson“, bei dem ich unbedingt mitmachen wollte. Aber weil meine Eltern getrennt lebten und die intensive Zirkuspraxis nicht mit den Ferienplänen vereinbar war, lehnten sie ab. Das war eine der größten Enttäuschungen meiner Kindheit.
Ich nahm Tanzunterricht und war Mitglied einer tollen Kindertheatergruppe. Ich liebte es, auf der Bühne zu stehen. Wir alle verehrten unsere Lehrerin, Frau Metzenthin. Sie inszenierte jedes Jahr ein Theaterstück mit jeweils 100 Kindern in den beiden Gruppen. Während der Proben stand sie auf der Bühne, und wenn wir alle verrückt spielten und nicht auf sie hörten, zog sie einen ihrer schweren Schuhe aus, hielt ihn in die Luft und rief: „Wenn ihr nicht sofort aufhört, fliegt dieser Schuh!“ Manchmal warf sie ihn, und wir mussten uns ducken. Wir liebten sie so sehr und reden noch heute von ihr.
Meine Liebe zum Theater blieb auch während der High School bestehen. Danach studierte ich an der Tanz Theater Schule Zürich Tanz und Choreografie. Dies eröffnete mir eine völlig neue Welt und führte zum Aufbau meiner Tanzkompanie. Ich liebte es, die Stücke zu choreografieren und die Musik dazu zu komponieren.
Als ich Kinder bekam, ließ meine Kreativität nach und ich konzentrierte mich auf das Familienleben und das Muttersein, etwas, das ich sehr liebe. Nachdem wir nach Tasmanien gezogen waren und die Kinder älter und unabhängiger wurden, trat ich mit lokalen Theatergruppen auf und sprach für ein Animationsstudio Zeichentrickfiguren.
Als es vor einigen Jahren in der Welt der darstellenden Kunst ruhiger wurde, zog es mich zur bildenden Kunst, einem Fach, das ich in der High School so geliebt hatte. Ich beschloss, alles zu geben und mich zwei Jahre lang ganz auf die Kunst zu konzentrieren: auf Experimentieren, Spielen, Lernen und Erweitern. Ich fand ein unglaubliches Atelier und konnte viel Zeit damit verbringen, mein eigenes Kunststudium zu gestalten.
Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben? Was macht Ihre Arbeit besonders?
Meine Arbeit ist sehr laut. Mit Ende 40 ist es interessant, darüber nachzudenken, wie sich meine Persönlichkeit und mein Charakter im Laufe meines Lebens verändert haben. Als ich jung war, sagten mir die Leute, ich sei zu viel, zu laut, zu intensiv. Mir war wichtig, was die Leute von mir dachten, und das erzeugte eine innere Spannung: Meine natürliche Neigung war anders als das, was von mir erwartet wurde.
In den letzten Jahren, ich schätze, seit ich 40 geworden bin, ist es mir egal, was die Leute denken. Naja, meistens zumindest. Ich glaube, wenn ich Kunst schaffe, funktioniert sie nur, und sie berührt den Betrachter tief im Inneren, wenn ich alle Erwartungen loslasse und authentisch, verletzlich und mir selbst treu bin. Aus einer Position heraus, die sich ein bisschen beängstigend und roh anfühlt. Aus der Position, wo ich denke: „Ich weiß nicht, was zum Teufel ich tue.“ Das ist für mich der Punkt, an dem kreative Menschen den Nagel auf den Kopf treffen. Wenn wir uns in diesen beängstigenden, nervösen Raum begeben, wo wir nicht wissen, was passieren wird, wo wir sozusagen von außen zusehen, und nachdem wir fertig sind, können wir nicht wirklich genau sagen, wie wir es gemacht haben und fragen: „Wie zur Hölle habe ich das GEMACHT?“
Also zurück zur Frage … meine Kunst ist im Moment sehr mutig, hell, farbenfroh, vielleicht ein bisschen kindlich … Ich habe das Gefühl, dass meine Werke meine Lebenserfahrung, ein kleines Stück Weisheit, vermischt mit meinem inneren Kind, und Begeisterung und Liebe zum Leben vereinen. 
Wie gehen Sie bei der Entwicklung Ihrer Arbeit vor?
Musik spielt eine große Rolle bei der Entstehung meiner Werke. Laute Musik! Ich arbeite lieber auf Holztafeln als auf Leinwand. Ab einer bestimmten Größe werden sie aber zu schwer, also verwende ich beides. Allerdings gefällt mir das Nachgeben nicht so gut. Ich arbeite gern etwas grober.
Ich versuche, einfach gedankenlos eine erste Schicht aufzutragen, damit ich nicht auf eine weiße Fläche schauen muss. Ich arbeite an mehreren Werken gleichzeitig, damit ich nicht zu lange an einem arbeite. Die ersten Schichten bestehen normalerweise aus Markierungen mit Kreide, Bleistift, Buntstift und dann Acrylfarben. Das sieht immer schrecklich aus!
Dann wähle ich Musik aus, je nach Stimmung: Ich höre je nach Stimmung die unterschiedlichste Musik und oft immer wieder dasselbe Lied. Das hilft mir wirklich, in Stimmung zu kommen. Ich musste lachen, als ich mein „Spotify Wrapped“ sah!
Dann versuche ich einfach, nicht nachzudenken und einfach zu malen, auf frühere Entscheidungen zu reagieren: Mache ich dies oder das? Risiken eingehen, Dinge tun, die mir Angst machen … die gruseligen Dinge sind normalerweise die Teile, die mir am Ende am meisten Spaß machen! Zum Abschluss mache ich gerne Markierungen mit Posca-Stiften und Ölstift. 
Wer oder was beeinflusst Sie?
Mein absoluter Lieblingskünstler ist Jason Craighead. Ich möchte seine Werke nicht nachahmen, es geht mir mehr darum, was ich beim Betrachten fühle. Was ich beim Betrachten seiner Bilder fühle, möchte ich auch anderen vermitteln, wenn sie meine Werke betrachten.
Dann gibt es hier in Tasmanien einen sehr talentierten Künstler, George Kennedy. Er ist einer der ersten Künstler, die ich auf Instagram kennengelernt habe, als ich mit dem Malen begann. Ich möchte IN seinen Bildern sein. Sie rufen etwas tief in mir hervor, das ich nicht genau benennen kann, aber es ist da und es ist stark.
Es gibt viele Künstler, die mich inspirieren und deren Werke völlig anders sind als meine. Ihre Werke begeistern mich und inspirieren mich oft. Studio Drift ist einer dieser Künstler. 
Machen Sie uns neugierig. Was planen Sie als nächstes?
Momentan arbeite ich an meiner Einzelausstellung, die im April in der „Social“-Galerie im Salamanca Arts Centre hier in Hobart zu sehen sein wird. Außerdem habe ich ein spannendes Nebenprojekt, an dem ich mitwirken werde. Zwei meiner Freunde basteln eigenhändig Skateboarddecks für eine Spendenaktion, um mehr Kinder fürs Skaten zu begeistern. Ich bin einer der Künstler, die diese Decks bemalen dürfen. Ich liebe Skateboarding, daher wird das ein wirklich tolles Projekt. 
Erfahren Sie mehr über den Künstler:
