Camilla Näsholm wurde 1988 am dunkelsten Tag des Jahres im Landesinneren Nordschwedens geboren; heute lebt und arbeitet sie an der Küste Mittelschwedens. Camillas künstlerischer Hintergrund verbindet bildende Malerei, Street Art und Design. Während ihres Studiums und ihrer Arbeit als Produktdesignerin interessierte sie sich für abstrakte und minimalistische Kunst. Ihr früher surrealistischer Stil hat sich zu einer abstrakten Stimme entwickelt, die kräftige Farben und Proportionen aus dem Graffiti, durchdachte Details aus dem Design und eine malerische Finesse aus ihrer langjährigen Erfahrung als Malerin entlehnt. 
Erzählen Sie uns Ihre Geschichte. Warum sind Sie Künstler geworden?
Ich wuchs in einer kleinen Arbeiterstadt in der abgelegenen subarktischen Region Nordschwedens auf; ich war weit entfernt von Kunstinstitutionen, und die allgemeine Botschaft, die mir während meiner Erziehung vermittelt wurde, war, dass Kunst etwas für wohlhabende Leute sei und keinem höheren gesellschaftlichen Zweck diene. Deshalb dachte ich nie, dass ich Künstlerin werden könnte, aber trotzdem begann ich im Alter von 11 Jahren fleißig zu malen und zu zeichnen. Als ich 20 wurde, gab es kein Zurück mehr. Ich fühlte mich zutiefst dazu berufen, Malerin zu werden; heute gibt es keine andere Möglichkeit zu leben. Es war für mich nie eine bewusste Entscheidung, Künstlerin zu werden; mit der Zeit erwies es sich einfach als absolute Notwendigkeit für mein Dasein. Ich bin jetzt 35, und obwohl ich seit über 20 Jahren male, fühle ich mich, als hätte ich gerade erst angefangen und meine künstlerisch fruchtbarsten Jahre liegen noch vor mir.
Wie gehen Sie vor, wenn Sie ein neues Werk schaffen? Was kommt zuerst?
Ich fertige selten Vorzeichnungen an und beginne meine Gemälde oft mit einer spontanen Geste oder Markierung, die das gesamte Werk in Bewegung setzt. Meine Bilder bestehen immer aus vielen Schichten, die jeweils eine Trocknungszeit benötigen. Daher arbeite ich an 20 bis 50 Bildern gleichzeitig. Durch die gleichzeitige Arbeit an so vielen Werken beeinflussen sie sich gegenseitig und wirken für mich eher wie Ketten als wie einzelne Werke.
Ein Gemälde „sagt mir“, wann es für die nächste Schicht bereit ist. Ich nehme mir eins und schaue es mir lange an. Ist es reif für die nächste Schicht, bekomme ich schnell einen Impuls, was ich als Nächstes hinzufügen soll. Bleibt das Gemälde stumm und ich bekomme keinen Impuls, lege ich es zurück und nehme mir ein anderes. Ein Gemälde dazu zu bringen, mit mir zu sprechen, endet nie gut.
Der wichtigste Aspekt meines Prozesses ist, mich der Arbeit nicht im Weg zu stellen. Ich muss in einer bestimmten Geisteshaltung sein, um zu malen, und diese Geisteshaltung zu kultivieren, ist das, worauf es bei all meinen Kunstwerken ankommt. In meiner künstlerischen Praxis geht es darum, auf vorherige Striche zu hören und zu handeln. 10 % der Zeit benutze ich meinen kritischen Blick, um die formalen Qualitäten des Gemäldes zu beurteilen, und den Rest der Zeit höre ich auf mein Bauchgefühl: Impulse kommen auf, und ich handle sofort danach. 
Was können Sie uns über Ihr Studio erzählen, was macht es für Sie besonders und wie beeinflusst es Ihre Arbeitsweise ?
Mein Atelier besteht aus drei miteinander verbundenen Räumen. Ein Raum dient als Lager und Büro, die anderen zum Malen und Trocknen. Der mittlere Raum hat jedoch die meisten Fenster und das meiste Licht, und deshalb male ich dort. Mein Atelier liegt auf einem kleinen Berg mit Aussicht auf einen Wald, insbesondere auf eine alte Kiefer. Die Nähe zur Natur und die Abgeschiedenheit von Menschen fördern meine Konzentration und Kreativität. Mein Atelier ist Teil meines Zuhauses, und das ist mir am liebsten. Die Tatsache, dass ich Alltag und Atelierzeit so eng miteinander verknüpfen kann, ermöglicht es mir, mehr Zeit im Atelier zu verbringen, sowohl produktiv als auch entspannt. Die Räume sind eng, deshalb arbeite ich derzeit nicht an Werken, die größer als 120 x 100 cm sind, da ich sie leicht bewegen können muss; manchmal male ich in einem Gang, stelle sie dann auf den Boden, dann an die Wand usw. Flexibilität und Struktur sind in meinem Atelier unerlässlich, alle Möbel haben Rollen und lassen sich leicht bewegen.
Ich weiß, es gibt das Vorurteil, dass Kreative unordentliche und chaotische Arbeitsräume haben, aber das trifft auf mich nicht zu. Mein Atelier ist der ordentlichste Ort in meinem Zuhause. Die Werkzeuge sind nach Farbspektrum sortiert, egal ob Spraydosen, Stifte, Acrylfarben oder Ölstifte. Pinsel haben ihren festen Platz und sind nach Größe, Textur und Form sortiert. So kann ich mein Muskelgedächtnis nutzen, um das gewünschte Werkzeug zu erreichen; das spart mir Energie, Konzentration und Zeit, die ich stattdessen in meine Bilder investieren kann. 
Gibt es in Ihrem Leben ein Kunstwerk, das Sie besonders beeindruckt hat ?
Ich beginne diese Antwort mit einem Zitat: „Das Wichtigste ist, zu verstehen, dass wir in einer Art Kunstwerk gefangen sind.“ – Terence McKenna. Ich bin unendlich beeindruckt von der Natur, von den astrophysikalischen Landschaften bis hin zu den subatomaren Teilchen und genetischen Codes. Ich bin beeindruckt, wie die Strukturen des Lebens immer noch eine solch unergründliche Intelligenz offenbaren, egal wie weit wir hinein- oder herauszoomen.
Greifen Sie nach den Sternen: Wo werden Sie in 5 Jahren sein?
In den letzten fünf Jahren habe ich eine enge Beziehung zu einer internationalen Galerie aufgebaut. Ich werde jährlich an Kunstaufenthalten teilnehmen, um konzentrierte Arbeitszeit abseits des Ateliers zu gewinnen, neue Kontakte zu knüpfen und Inspiration zu finden. 
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