Jennifer de Klavers (geb. 1968 in San Francisco) arbeitet derzeit in einer renovierten Autowerkstatt in Southampton. Nach ihrem Abschluss an der Parsons School of Design schlug sie einen ungewöhnlichen künstlerischen Weg ein. Neben ihrer Malerei arbeitete sie über ein Jahrzehnt daran, sich einen Namen für ihr Verständnis von Farbe, Raum und gestalterischer Zusammenhänge zu machen.
Wie sind Sie zur Kunst gekommen?
Kunst hat mich schon immer fasziniert. Als ich in Belgien aufwuchs, hatte ich schon als junges Mädchen die Gelegenheit, Museen in ganz Europa zu besuchen, was mein Interesse weckte. Als Tochter eines Künstlers stand Kunst in meinem Haushalt immer im Mittelpunkt. Doch erst während meiner Zeit am Parsons College entfachte sich meine Leidenschaft für die Malerei so richtig. Ein Malereiprofessor verstand meine Visionen und teilte mir oft Bücher aus der Bibliothek mit, von denen er glaubte, dass sie mich ansprechen würden. Ich habe immer noch Louise Fishmans Buch, das mir so sehr gefiel, dass ich es nie zurückgegeben habe (nicht weitersagen!). Außerdem traf ich während dieser Zeit kurz Christophe Van de Weghe von der Van de Weghe Gallery. Er machte mich mit vielen Galerien in Chelsea wie der Gagosian Gallery bekannt und ermutigte mich, die Werke einflussreicher Künstler wie Cy Twombly und Joan Mitchell zu studieren.
Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben? Was macht Ihre Arbeit besonders?
Ich würde meinen Stil als abstrakten Expressionismus beschreiben. Es ist eine Energie, die durch mich fließt und sich natürlich und frei anfühlt. Je präsenter ich bin und mit meinem Herzen verbunden bin, desto lebendiger erwacht die Kunst auf der Leinwand. Das Besondere an meiner Arbeit ist die kanalisierte Energie, die dabei entsteht. Ich bin dankbar, diesen Ausdruck zu vermitteln, und meine Absicht ist es, durch meine Kunst Licht und positive Energie in die Welt zu bringen.
Wie gehen Sie bei der Entwicklung Ihrer Arbeit vor?
In meinem Prozess dreht sich alles ums Zulassen. Auch wenn ich eine erste Idee für ein Farbschema habe, lasse ich mich einfach treiben und lasse die Erfahrung sich natürlich entfalten. Das bedeutet nicht immer, dass alles reibungslos verläuft – oft entstehen einige meiner besten Arbeiten an einem Ort, an dem es Reibung gibt, und ich muss sie überwinden. Ich bin oft erstaunt über das Unerwartete, das auf der anderen Seite entsteht. Es gibt einen ruhigen und geduldigen Anfang, einen Energieaufbau, ein Crescendo und schließlich ein Gefühl von Ehrfurcht und Entspannung. Nach der Fertigstellung eines Werks verwende ich oft Palo Santo, um dem Kunstwerk und jedem, der es betrachtet, einen Segen des Friedens zu schenken.
Wer oder was beeinflusst Sie?
Die Natur hat einen großen Einfluss auf mich. Die Elemente – Bäume, Wind, Wasser, Sonne, Himmel – inspirieren mich zutiefst. Auch meine Meditation und Momente der stillen Kontemplation beeinflussen meine Arbeit maßgeblich. Darüber hinaus bewundere ich die großen Künstler, die vor mir kamen und die heute schaffen. Künstler wie Cy Twombly, Franz Klein, Helen Frankenthaler, Rothko, Joan Mitchell, Agnes Martin, Modigliani, Robert Ryman und Robert Motherwell inspirieren mich besonders.
Machen Sie uns neugierig. Was ist als nächstes geplant?
Ich freue mich darauf, weiterhin mit der Energie zu arbeiten, die ich erhalte, und in meiner kommenden Serie komplexe Farbpaletten und Markierungen zu erkunden. Die nächste Kollektion wird eine Weiterentwicklung meiner letzten Ausstellung „CODED“ sein und fünf bis neun Gemälde umfassen. Der Fokus liegt auf Bewegung und einer Sprache, die sich in Markierungen ausdrückt. Zusätzlich arbeite ich an einer Reihe von Arbeiten auf Papier, die einen anderen Ansatz verfolgen und sich ebenfalls auf Codes konzentrieren, jedoch aus einer geometrischen Perspektive. Ich liebe die Balance, die entsteht, wenn ich an beiden gleichzeitig arbeite – das eine strahlt Freiheit und Bewegung aus, das andere methodischer, ruhiger und organisierter.
