Laura Basterra Sanz, geboren 1979, ist eine multidisziplinäre Künstlerin aus Barcelona, wo sie 2005 ihren Bachelor in Modedesign an der Ramon-Llull-Universität erwarb. Anschließend absolvierte sie ein Aufbaustudium in Textildrucktechniken und Schnittmustererstellung. Seit 2018 lebt und arbeitet sie in Brüssel, Belgien, und konzentriert sich in ihrer Praxis auf abstrakte Malerei und textbasierte Kunst.
Wie sind Sie zur Kunst gekommen?
Kreativität und Ausdruck liegen in meiner Natur. Ich musste nur ein Medium finden, das mir am besten entspricht. Ich habe den Antrieb, die Energie und die Motivation, Projekte zu entwickeln, Objekte zu schaffen, Namen, Formen, Ereignisse, Gegenstände und Konzepte zu initiieren und zu erfinden, die meine Lebenserfahrung widerspiegeln.
Darüber hinaus spielte das Umfeld eine große Rolle bei meiner Entscheidung, den künstlerischen Weg einzuschlagen. Aber es ist sowieso meine einzige Lebensoption. Ich fühle mich dort großartig, lebendig und voller Energie. Alles andere erschöpft mich immer emotional.
Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben? Was macht Ihre Arbeit besonders?
Ich würde meinen Malansatz als informell oder abstrakt-expressionistisch beschreiben, er muss jedoch Elemente umfassen, die eher mit unserer heutigen Zeit in Einklang stehen, als dass er einer dieser Kategorien angehören würde.
In meinen textbasierten Kunstwerken könnte ich ästhetisch gesehen wahrscheinlich Spuren der DIY-Musik und visuellen Kultur der späten 80er und der ersten Hälfte der 90er Jahre finden, aber natürlich beziehen sie sich auf meinen gegenwärtigen Kontext.
Ein Aspekt, den ich in meiner Malerei besonders schätze, ist die Schwierigkeit, sie zu reproduzieren. Ich schätze und schütze dieses Gefühl der Einzigartigkeit sehr. Es mag aus dem Bedürfnis entspringen, meine einzigartige Lebensvision zum Ausdruck zu bringen. Dies gilt auch für die Einzigartigkeit der Objekte, die ich erschaffe, und der Momente, die sie darstellen. Jedes Gemälde fängt einen Moment, Eindruck oder eine Empfindung ein, die nie reproduziert werden kann – es spiegelt den ständigen Wandel wider, der dem Leben innewohnt.
Wie gehen Sie bei der Entwicklung Ihrer Arbeit vor?
Ich gehe mit einem starken Gefühl der Freiheit an meine Bilder heran. Die einzigen Einschränkungen sind der Raum, in dem ich arbeite, und die Leinwand selbst, die mir eine Struktur bietet, die ich für den Prozess günstig finde. Sobald ich mit dem Malen beginne, tue ich dies ohne vorgefasste Gedanken oder Pläne. Es ist ein Prozess, der von meinen Impulsen und Bedürfnissen geleitet wird und den ich zutiefst befriedige. Es findet ein Dialog zwischen meinem Bewusstsein und meinem Unterbewusstsein statt. Es ist eine psycho-körperliche Praxis, die sozusagen freilegt, was unter der Oberfläche liegt.
Ich suche Momente, in denen ich die Kontrolle über das Geschehen abgebe. Dann erwachen meine Bilder zum Leben. Dieser Prozess basiert auf Konzepten von Freiheit, Offenheit, Ausdruck, Akzeptanz und Instinkt.
Ich habe kürzlich von Claudio Naranjo gelesen, dass es mit dem Reptilienhirn zu tun hat, dem Gehirn, das wir zuerst benutzen, vor all den Regeln, „Neins“, Gefahren und dem ganzen Kram. Es ist wie ein Kanal, um meine Animalität auszudrücken.
Ihr Körper muss frei, beweglich und beweglich sein, sonst können Sie diese Arbeit nicht machen. Für starre Persönlichkeitstypen und Menschen, deren Emotionen völlig blockiert sind, ist dies ein unmögliches Unterfangen.
Wer oder was beeinflusst Sie?
Verschiedene Einflüsse prägen meine Arbeit. Menschliche Verbindungen, Gefühle der Liebe oder andere Dinge fließen in meine Arbeit ein. Die Natur – ihre Düfte, Geräusche und Farben – inspirieren mich zutiefst.
Ich bin in einer recht farbenfrohen Stadt aufgewachsen und stoße dort häufig auf Werke von Miró und Gaudí. Das hat zumindest einen Teil meines visuellen Geschmacks geprägt. Ausstellungen wie die jüngsten großen Rothko- und Joan Mitchell-Ausstellungen im FLV spiegeln meine Bildsprache wider und beeinflussen mich und damit auch meine Gemälde nachhaltig.
Nicht-kommerzielle Musik gibt in meinem Studio den Ton an, sorgt für anhaltende Stimmungen und leitet die Serienentwicklung.
Ich schöpfe Erkenntnisse aus der Arbeit von Autoren, Denkern und Einzelpersonen, die sich dem Dienst an der Menschheit verschrieben haben, sowie von gleichgesinnten Kollegen, die mir helfen zu verstehen, was ich tue.
Kürzlich bin ich auf die türkische Autorin und Dozentin Elif Shafak gestoßen, die die Verbindungen zwischen Ost und West beleuchtet, indem sie Gemeinsamkeiten über trennende Glaubenssysteme hinweg hervorhebt und gleichzeitig in ihren Romanen kontroverse politische, soziale und kulturelle Themen anspricht. Sie spricht über Schwesternschaft als Mittel zur Veränderung und Abwertung des Patriarchats, was meinen Blickwinkel bereichert hat.
Machen Sie uns neugierig. Was planen Sie als nächstes?
Ich habe vor, so viel wie möglich zu malen, zu experimentieren, zu spielen und zu kreieren. Darüber hinaus möchte ich mein Projekt weiterentwickeln, es an meine neuen Bedürfnisse anpassen und neue Ideen umsetzen. Derzeit habe ich eine Stelle im Merchandising für Museen in den USA und hoffe, bald viele interessante Ausstellungsmöglichkeiten zu erhalten.
Darüber hinaus engagiere ich mich aktiv in der Gestaltung neuer Narrative für die bildende Kunstszene in Flandern und Brüssel. Diese Initiative findet in Zusammenarbeit mit dem Flämischen Kunstinstitut (Kunstenpunt) und dem NICC statt, einem Verein, der sich für bildende Künstler einsetzt und sie unterstützt. Gemeinsam mit anderen bildenden Künstlern und Kunstschaffenden arbeiten wir an Themen rund um Gesundheit und Wohlbefinden.
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