Fünf Fragen an Meera Palia

Meera Palia (geb. 1978, London) ist eine autodidaktische, abstrakt-expressionistische Künstlerin aus Margate in Kent, Großbritannien. Ihre Gemälde sind spontan, ausdrucksstark, verspielt und farbenfroh und spiegeln das Leben, die Energie und die Unvorhersehbarkeit des Prozesses wider. Wie sind Sie zur Kunst gekommen?

Es geschah erst später im Leben, als ich 30 wurde. Ich hatte zuvor in der Sozialfürsorge und im öffentlichen Dienst gearbeitet und gerade eine Karriere als Soziologie- und Philosophielehrerin begonnen. Ich hatte schon immer gerne kreative Hobbys – Musik, Tanzen usw. –, aber seit der Sekundarschule keinen Pinsel mehr in die Hand genommen. Ich meldete mich für einen informellen Kurs „Einführung in die abstrakte Malerei“ bei einer örtlichen Erwachsenenbildung an, weil ich wusste, dass diese Art von Kunst mich schon immer angesprochen hatte und ich mich nach etwas Freiem, Intuitivem und Ausdrucksstarkem sehnte, um meinem hektischen Alltag zu entfliehen. Ich verliebte mich sofort in den Prozess. Die Zeit, als ich mit dem Malen begann, war auch für mich persönlich voller Veränderungen, daher denke ich, dass Kunst für mich von Anfang an mit der Idee von Veränderung verbunden war. Sie hat mir geholfen, Veränderungen im Leben zu meistern, auszudrücken, einzuleiten und zu verstehen. Und dann, vor ein paar Jahren, nachdem ich meine Eltern verloren hatte, eine Auszeit von meinem Job nahm, ein Atelier mietete und mich voll und ganz darauf einließ, übernahm die Kunst völlig die Kontrolle und ist seitdem mein Hauptaugenmerk.

Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben? Was macht Ihre Arbeit besonders?

Ich hatte schon immer eine tiefe Wertschätzung für rohe und improvisierte Kunstformen und sage daher gerne, dass ich das malerische Äquivalent einer Jazz-Jam-Session anstrebe, wobei ich der Energie, Authentizität und dem Prozess des freien Markierens Vorrang vor dem Erreichen einer ausgefeilten Komposition oder choreografierten Darbietung einräume.

Ich bewege mich zwischen eher minimalistischen und maximalistischen Ausdrucksformen und meine Arbeit kann ziemlich unterschiedlich sein, ist aber immer spontan, gestisch und instinktiv – voller Bewegung und einem Ausströmen aller Gedanken und Emotionen, die ich gerade in mir trage.

Am stolzesten bin ich auf meine Arbeit, wenn sie diese rohe, offene, unfertige Qualität bewahrt, die Unsicherheit, Unvollkommenheit und die Energie des Prozesses einschließt. Die Dissonanz ebenso wie die Harmonie. Ich liebe den physischen, gestischen Akt des Malens – wenn es sich anfühlt, als würde meine Hand frei tanzen – die Lebendigkeit der Pinselstriche, Kratzer, Kritzeleien und Farbspritzer. Spuren, die sich lebendig und authentisch anfühlen, und die Überraschungen, die entstehen, wenn man keinen Plan hat und offen für Veränderungen bleibt. Wie gehen Sie bei der Entwicklung Ihrer Arbeit vor?

Meine gesamte Arbeit ist völlig ungeplant – ich fange einfach an, orientiere mich an meiner Stimmung und schaue, wohin es führt. Dabei mische ich Striche und Farben. Ich habe noch nie ein Skizzenbuch benutzt. Es ist eigentlich ziemlich chaotisch, und ich arbeite oft an vielen Stücken gleichzeitig, aber ich liebe das Chaos, die Unvorhersehbarkeit und den Dialog, der sich mit dem Bild vor mir entfaltet. Ich arbeite schnell, hauptsächlich mit Acryl- und Ölpastellen, und drehe das Werk regelmäßig, um neue Perspektiven zu gewinnen. Es kann ein sehr intensives Ergießen sein. Ich begebe mich in eine geheimnisvolle Zone. Die ersten Striche sind immer mein Lieblingsteil – so voller Möglichkeiten. Später, wenn sich das Bild entwickelt, muss ich genau wissen, wann ich aufhören muss. Das ist nie einfach. Es fällt mir viel leichter, immer wieder Neues anzufangen, als etwas fertigzustellen. Ich „verstecke“ Arbeiten lange Zeit vor mir selbst und kehre mit einem frischen Blick zurück, um zu sehen, was nötig ist, um das Chaos zumindest ein wenig aufzulösen oder es sich auf oft unverständliche Weise vollständig „anfühlen“ zu lassen! Wenn ich nicht weiterkomme, greife ich vielleicht auf meine alten, zerrissenen Arbeiten zurück und füge Collage-Elemente hinzu, um den Dingen eine neue Richtung zu geben. Die endlosen Möglichkeiten können manchmal überwältigend sein, aber es ist auch zutiefst befreiend und ermutigend zu wissen, dass man sich immer wieder neu erfinden kann, daran erinnert zu werden, dass es viele Ergebnisse geben kann und dass letztendlich alles ein fortlaufender Prozess ist. Wichtige Lektionen fürs Leben, natürlich! Wer oder was beeinflusst Sie?

Ich male immer zur Musik und denke, meine Liebe zu synkopierten Rhythmen und Tanz spiegelt sich in der Bewegung meiner Arbeit wider. Es gibt zweifellos viele andere, weniger bewusste Einflüsse auf meine Zeichensetzung – Texturen und Farben des Stadtlebens, die Schönheit verfallender Gebäude (ich liebe abblätternde Farbe und Tapeten), Graffiti, interessante Linien in der Natur und so weiter.

Auf einer grundlegenderen Ebene bin ich beeinflusst von der Unordnung des Lebens und des Menschseins, von Trauer, hormonellem Chaos in der Perimenopause und einem immer stärker werdenden Wunsch, ganz im Hier und Jetzt zu arbeiten.

Machen Sie uns neugierig. Was planen Sie als nächstes?

Schwer zu sagen! Ich sehe jedes Werk als einzigartiges Ereignis und versuche, offen für neue Richtungen zu bleiben, die sich im Laufe des Prozesses ergeben. Aber im Moment macht mir die Arbeit mit unbearbeiteten Leinwandresten großen Spaß und ich möchte gerne größere Arbeiten mit mehr Collage-Elementen gestalten. Vielleicht klappt das ja noch!

Ich bin gerade mit meinem Zuhause und Atelier von London in die wunderschöne Küstenstadt Margate umgezogen. Ich lerne die dortige Kunstszene kennen und konzentriere mich auf lokale Ausstellungsmöglichkeiten. Ich interessiere mich zunehmend dafür, mit anderen in der Community zusammenzuarbeiten und dabei das therapeutische Potenzial abstrakter expressionistischer Kunst zu nutzen. Ich bin gespannt, was die Zukunft hier für mich bereithält. Erfahren Sie mehr über den Künstler:

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