Tom Jean Webb lässt sich vom amerikanischen Westen und Südwesten inspirieren und verleiht seinen Werken seinen eigenen Sinn für Surreales und Imaginäres. Der 1982 geborene Künstler studierte Bildende Kunst an der Kingston University und lebt in Austin, Texas.
Wie sind Sie zur Kunst gekommen?
Seit ich denken kann, zeichne und bastele ich. Und auch heute noch ist eines der ersten Dinge, die meine Mutter sagt, wenn ich nach Hause komme: „Also, was sollen wir basteln?“ Kunst und Handwerk waren schon immer ein großer Teil meiner Erziehung und die meisten Tage drehten sich auf die eine oder andere Weise darum.
Ich habe das Gefühl, dass ich mich schon früh für die Kunst als Ausdrucksmittel interessiert habe, obwohl ich mit Dingen zu kämpfen hatte, die anderen nicht taten. Wenn ich saß und zeichnete, konnte ich an den Orten existieren, an die ich mich selbst begab.
Irgendwann kam ich an den Punkt, an dem ich die Orte, die ich erschaffen wollte, besuchen wollte, um meine Arbeit als Mittel zum Reisen und Erleben zu nutzen und zuzulassen, dass diese Erfahrungen meine Arbeit beeinflussten. Um einen echten Dialog zwischen Vorstellung und Realität zu beginnen und zu sehen, was ich damit und damit erreichen konnte.
Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben? Was macht Ihre Arbeit besonders?
Meine Bilder strahlen eine geordnete Verträumtheit aus. Die einsamen Figuren, die einsamen Landschaften und die Farbpalette verleihen ihnen eine gewisse Romantik. Eine klare Linie, die alles in den Bildern umgibt – von Steinen über Tafelberge bis hin zu Schlangen – lässt die einzelnen Elemente wie Puzzleteile wirken. Es geht um die Auseinandersetzung mit der Raumnutzung, insbesondere darum, wie man in einem Kunstwerk Raum für Unbekanntes oder Unvorhergesehenes schaffen kann. Werke zu schaffen, die dem Betrachter Raum zum Atmen, zum Mitmachen und Entdecken geben. Ich möchte ein Fenster oder einen Moment in den Raum bieten. Ein Raum, der durch den Prozess der Abwesenheit sprechen kann, eine Stimme durch die Stille. Dass es in einem Lied die stillen Momente sind, die den Klang hervorbringen.
Wie gehen Sie bei der Entwicklung Ihrer Arbeit vor?
Alle meine Arbeiten lassen sich auf denselben Prozess zurückführen, den ich mir als Kind angeeignet habe: die Liebe zum Zeichnen und Skizzieren. Ich sitze da und spiele mit Ideen, sobald sie auf Papier entstehen. Diese Ideenbibliothek trage ich bei mir und hänge sie in einem Teil meines Ateliers an die Wand. So kann ich Ideen abbilden und sehen, wohin meine Gedanken gehen, welche Geschichte ich erzählen möchte oder wie Ideen miteinander verschmelzen oder in Beziehung zueinander treten können. Ich versuche, mir genügend Freiraum zu geben, um meine Arbeiten zu betrachten, eine gesunde Balance zwischen Produktion und Analyse zu erreichen, Raum für wohlüberlegte Entscheidungen sowie spontanes oder instinktives Schaffen zu lassen. Ich sehe jede Arbeit als einen Schritt zum nächsten, sodass jedes Stück sowohl Teil des Prozesses als auch dessen Ergebnis ist.
Wer oder was beeinflusst Sie?
Überall, wo es Stille, frische Luft und klares Licht gibt. Irgendwo, wo ich Platz zum Gehen, Atmen und Nachdenken habe. Gehen ist mir wichtig, ich finde es meditativ, aber die Bewegung in der Natur hat auch etwas Magisches. Die Verbindung, die sich beim Reisen mit unserem Körper durch eine natürliche Landschaft ergibt, ist so einfach und doch erfüllend: das Geräusch der Schritte auf dem Boden, die Beziehungen der Pflanzen, die Farben im Sonnenlicht und die Fähigkeit, kilometerweit zu sehen. Ich liebe es, dass es hier in Amerika so viele Möglichkeiten zum Reisen und Entdecken gibt; das Land hier ist so wunderschön und hat so viel zu bieten. Zur Inspiration mag ich Wüstenlandschaften; die Balance zwischen Schönheit und Härte ist magisch. Sie wirken subtil, und doch, wenn man innehält und hinschaut, sieht man so viel geschehen: wie all diese wunderschönen Farben erscheinen und wie sie sich zu verschiedenen Tageszeiten verändern. Einen großen Einfluss hat die Auseinandersetzung mit der Idee des Spiels. Ich möchte meine Idee des intuitiven Spiels mit Materialien und Momenten weiterentwickeln und die Fähigkeit entwickeln, präsent genug zu sein, um im Moment auf Ideen und Kreativität zu reagieren.
Machen Sie uns neugierig. Was ist als nächstes geplant?
Ich bin sehr gespannt auf eine neue Skulpturenserie. Diese neue Serie entstand aus dem Interesse an der Raumidee, die in meinen Gemälden existiert. Wie Linien auf einer Leinwand eine Geschichte erzählen, fordern diese Linien den Betrachter auf, an diesen implizierten Raum zu glauben. Ich nutze die reiche Geschichte der Landschaftsmalerei, um mit diesen Raumideen zu spielen – Landschaften, inspiriert von realen Reisen in den amerikanischen Westen und Südwesten, und füge meinen eigenen Sinn für Surreales und Imaginäres hinzu.
Diese Skulpturen sind eine Übung darin, die von mir geschaffene neue Version in die „reale“ Landschaft zurückzubringen – eine Fortsetzung des Dialogs, den ich durch meine künstlerische Praxis mit der Landschaft führe. Es entsteht ein physisches Gemälde, eingerahmt von den Augen des Betrachters. Ein Werk, bei dem der Raum um die Skulptur genauso wichtig ist wie das Objekt selbst. Man soll nicht nur hindurchschauen, sondern die Schönheit, die die Skulpturen umgibt, wahrnehmen.
Die endgültigen Versionen sollen aus Stahl und farbigem Acryl gefertigt werden und 10 Fuß hoch sein. Ich habe derzeit 3 in Produktion für Standorte in Texas und Kalifornien.
