Liam Roberts ist ein preisgekrönter Künstler aus Cheltenham, Großbritannien, der sich der Schaffung harmonischer geometrischer Formen verschrieben hat. Sein Design-Hintergrund ermöglicht es ihm, optisch ansprechende, sorgfältig konstruierte und ausgewogene abstrakte Kunstwerke zu schaffen, die ein Gefühl von Ordnung und Struktur vermitteln und gleichzeitig ein Element der Verspieltheit bewahren. In seinen abstrakten Holzreliefs, Gemälden und Drucken erforscht Liam in seinen Werken Aspekte der menschlichen Erfahrung, sei es die physischen Räume, die wir bewohnen, oder unser Verhalten und unsere Interaktion mit der Welt um uns herum. 
Wie sind Sie zur Kunst gekommen?
Ich zeichne, seit ich denken kann, aber meine erste richtige Begeisterung für Kunst verspürte ich in der Grundschule. Wir betrachteten die inspirierenden Arbeiten der Töpferdesignerin Clarice Cliff und schufen unsere eigenen Werke, nachdem wir ihre fantastischen, kräftigen und farbenfrohen Designs kennengelernt hatten. Das regte meine kindliche Fantasie an und weckte in mir den ersten Wunsch, kreativ zu sein.
Als ich aufwuchs, beschloss ich, Kreativität als Beruf zu verfolgen und studierte Design an der Universität. Dort entwickelte ich meine Liebe zur Einfachheit und zur Reduktion einer Idee auf ihre einfachste Form. Durch meine langjährige Tätigkeit als Designer erkannte ich auch, dass ich ein kreatives Ventil brauchte, das mir erlaubte, Ideen abseits von Kundenbeziehungen zu entwickeln. Daraus entwickelte sich meine Kunst. Heute arbeite ich weiterhin in beiden Bereichen und profitiere von der Arbeit in der jeweils anderen Disziplin, wodurch ein Gleichgewicht zwischen beiden entsteht.
Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben? Was macht Ihre Kunst besonders?
Meine Arbeiten werden in den Stilen Geometrisch Abstrakt, Minimalismus und Hard Edge eingeordnet. Ich habe jedoch das Gefühl, dass meine Arbeit Aspekte all dieser Stile aufweist, aber keiner davon beschreibt sie vollständig. Ich glaube, was meine Arbeit besonders macht, ist mein Einsatz von Form und Gestalt, um ihnen auf spielerische und hoffentlich überraschende Weise Struktur, aber auch Dynamik zu verleihen. Ich lege auch großen Wert auf die Farbwahl oder deren Verzicht, um ein Kunstwerk aufzuwerten. 
Wie gehen Sie bei der Entwicklung Ihrer Arbeit vor?
Normalerweise notiere ich mir Formen und Farben, sobald ich sie sehe, und erstelle so eine Montage eines Ortes, eines Moments oder eines Gefühls. Anschließend experimentiere ich mit diesen Formen und Farben, bis eine einzigartige Komposition entsteht. Anschließend entscheide ich mich für das Format basierend auf der Komposition oder dem, was ich über das Erlebnis ausdrücken möchte. 
Wer oder was beeinflusst Sie?
Ich mag die Arbeiten von Joseph Albers sehr, insbesondere seine Arbeit mit Farben. Auch die Kunstwerke von Barbara Hepworth, Ben Nicholson und dem Designer Wim Crouwell gefallen mir sehr. Sie alle spielen mit Formen und Gestalten auf eine Weise, die meiner Meinung nach ausgewogen und dynamisch ist und meine Aufmerksamkeit fesselt wie kein anderes Werk.
Was planen Sie als Nächstes?
Die meisten meiner Holzrelief-Kunstwerke waren in den letzten Jahren einfarbig. Vor kurzem habe ich begonnen, die Welt der Farben mit diesem Werkformat zu erkunden, was mich sehr begeistert. Ich plane auch, Skulpturen abseits der Wand zu erforschen, was einige neue Formen eröffnen könnte. 
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