Fünf Fragen an Alison Gibbons Watt

Ich habe schon immer in der Malerei einen Weg gefunden, dem Alltag zu entfliehen. Ich bin an der Westküste Schottlands aufgewachsen, wo es viel regnete. Das Erschaffen von Welten aus Farbe gab mir die Freiheit, neue Wege zu gehen. Die tiefen Töne der schottischen Landschaft und die starke Designästhetik aus Glasgow hatten einen starken Einfluss auf mich.

Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben? Was macht Ihre Kunst besonders?

Durch Farbe und Form erschaffe ich auf Leinwand kraftvolle Statements, die die unverfälschten Emotionen eines einzelnen Moments aus der Erinnerung heraus darstellen. Es sind abstrakte Selbstporträts, in denen ich mich an die emotionale Umgebung einer Erinnerung erinnere und jede Komposition als Reaktion auf diesen Kontext gestalte. Mein jüngstes Werk „The Shape of Light“ ist eine Gemäldeserie, die sich mit Erinnerungen auseinandersetzt und die meine letzte Einzelausstellung in Newport, Rhode Island, bildete.

Jedes Gemälde ist eine Momentaufnahme, die die winzigen Details eines Augenblicks festhält und diese Stimmung durch Form und Farbe wiedergibt, um in Erinnerung zu rufen, wie es sich damals anfühlte, in der Gegenwart zu sein. Beim Wiederaufleben vergangener Ereignisse verlieren Details wie Gesichter ihre Form, doch Farben, Düfte, Worte und Gefühle bleiben in hoher Auflösung erhalten. Meine Gemälde sind eine Art Eskapismus zurück in ein Kapitel meiner eigenen Geschichte, das die Zeit überdauert hat. Durch den Einsatz von Farbe und Form stelle ich die Stimmung eines Augenblicks so dar, wie sie empfunden wurde. Der Lichtton im Wald, die Farbe und das Gefühl eines Mantels, den ich trug, der Duft der Sonne auf meiner Haut, das Morgenlicht, das sich in der Wand spiegelt, ein zufällig gesprochener Satz – all das kann uns unmittelbar in einen bestimmten Moment der Zeit zurückversetzen.

Da ich in einem digital gesättigten Zeitalter lebe, war es mir wichtig, meine Erinnerungen in Farbe auszudrücken und die unfotografierten Momente zu würdigen, die die Zeit überdauert und mich geprägt haben. Jedes Gemälde trägt neben dem Titel einen geografischen Ort und ein Datum, wodurch eine abstrakte Postkarte und ein authentisches Souvenir aus meinem Leben entsteht. 

Wie gehen Sie bei der Entwicklung Ihrer Arbeit vor?

Ich lasse eine Idee eine Weile in mir reifen und ihr Raum geben, bevor ich eine neue Gemäldeserie beginne. Ich male in meiner Vorstellung, wenn ich nicht im Atelier bin, zum Beispiel bei Spaziergängen in der Natur, und entwickle die Kompositionen. Die Hälfte der Arbeit ist bereits getan, bevor ich Farbe auf die Leinwand auftrage. Oft wird eine Idee durch die Erinnerung an ein Ereignis ausgelöst, zu dem ich eine starke emotionale Verbindung hatte. Ich versuche, durch die Gelassenheit und Farbpalette jedes Gemäldes das Gefühl eines bestimmten Augenblicks einzufangen. Beim Malen jedes Werks schließe ich die Augen und versetze mich in einen Augenblick zurück, der mir im Gedächtnis geblieben ist, und denke über die sensorische Umgebung jeder Szene nach. Ich erstelle eine Liste aller Details, an die ich mich erinnern kann, egal wie klein oder unbedeutend sie sind. Diese dienen mir als Erinnerung daran, wer ich damals war und wie es sich angefühlt hat, in diesem Augenblick zu sein.

Ich experimentiere mit neuen Maltechniken und versuche, kleineren Leinwänden neue Tiefe und Oberflächenqualität zu verleihen, bevor ich mit einem neuen, größeren Werk beginne. Ich fertige viele Zeichnungen an, die sich wie eine Art Meditation anfühlen, bevor ich mit einem neuen, größeren Werk beginne. Dadurch entsteht ein Rhythmus und eine Energie, die ich dann in eine Skizze auf der größeren Leinwand umsetze. Dies bildet das Grundgerüst des Werks, das sich dann im Laufe der Komposition verändert und weiterentwickelt, indem ich die einzelnen Elemente miteinander verbinde und durch Farbe und Negativraum Beziehungen aufbaue.

Wer oder was beeinflusst Sie?

Ich beobachte und fotografiere ständig Szenen, die meine Aufmerksamkeit erregen, wie etwa Sonnenlicht, das in dynamischen Formen an die Wand fällt oder sanft durch den Schatten der Blätter flimmert, überraschende Oberflächenstrukturen bei Spaziergängen durch die Stadt oder zufällige Skulpturen aus weggeworfenen Gegenständen auf der Straße. Ich sammle Bibliotheken mit Oberflächeninhalten, auf die ich später zurückgreifen und die ich betrachten kann. Am meisten interessiert mich der Kontrast unerwarteter Farben, wo künstliche, leuchtende, säurehaltige Farbtupfer auf neutrale Töne oder die natürliche Umgebung treffen. Ich zeichne auch ständig und empfinde dies als eine Art Meditation. Das Zeichnen ist ein zentraler Bestandteil meiner Arbeit, da jede Leinwand mit der Skelettphase einer Bleistiftzeichnung beginnt. Ich zeichne aus der Intuition heraus und setze dadurch eine innere Energie frei, wodurch komplexe, vielschichtige Zeichnungen in einem lockeren, sich wiederholenden Stil entstehen, der die Figur andeutet.

Viele Künstler und Referenzen inspirieren mich, darunter der Memphis Design Style, Eva Hesse, Matisse, Jessica Stockholder und Marcel Duchamps „Akt, eine Treppe herabsteigend“, um nur einige zu nennen.

Was planen Sie als Nächstes?

Im Oktober dieses Jahres präsentiere ich im Rahmen des Pudding Stone Arts Festivals eine Reihe großformatiger Gemälde in einer Einzelausstellung in der stimmungsvollen IRYS Boat Restoration Hall in Newport, Rhode Island. Die Gemälde werden im Rahmen einer klassischen Musikaufführung präsentiert, die von einem Streichquartett mit Phillip Glass und Musik zum Thema Wasser, darunter Chopins Regentropfen-Präludium, arrangiert wird. Die Gemälde sind eine neue Werkreihe, die sich mit der Bewegung des Wassers beschäftigt und den Fluss des Lebens in Bezug auf Wiederholung und Muster betrachtet. Instagram