Ashlynn Browning ist eine in Charlotte, North Carolina, geborene Malerin und lebt derzeit in Raleigh, North Carolina. Sie erwarb einen Bachelor-Abschluss in Atelierkunst und Englisch am Meredith College und einen Master-Abschluss in Malerei und Grafik an der University of North Carolina in Greensboro. Browning erhielt das Joan Mitchell-Stipendium und stellt national und international aus.
Erzählen Sie uns Ihre Geschichte. Warum sind Sie Künstler geworden?
Schon als Kind wollte ich Künstlerin werden, aber ursprünglich wollte ich Kinderbuchillustratorin werden. Das änderte sich im College, als ich einige großartige Professoren hatte, die mich betreuten und mir die Werke von Willem de Kooning, Philip Guston und Anselm Kiefer und vielen anderen nahebrachten. Da wusste ich, dass ich abstrakte Malerin werden würde, und ich habe nie zurückgeblickt. Im Laufe der Jahre, während des Studiums und darüber hinaus, reichte mein künstlerisches Schaffen von Zeichnung, Collage und Druckgrafik bis hin zu Acryl- und Ölmalerei. Auch meine Formen haben sich verändert und sind im Laufe der Jahre von organisch und gestisch zu geometrischer geworden.
Die Vorstellung, dass sich Kunst im Laufe des Lebens mit einem verändert, finde ich sehr ansprechend. Ich liebe es, Künstlerin zu sein, weil es mir eine Sprache gibt, mit der ich menschliche Erfahrungen auf die ausdrucksstärkste und erfüllendste Weise vermitteln kann, die ich kenne. Meine Bilder sollen einen psychischen Zustand darstellen; eine Offenheit für Lebenserfahrung, für Freude und Schmerz, Licht und Dunkelheit und die inhärente Spannung und das Pendeln zwischen beiden. Während ich spüre, dass meine Bilder temperamentvolle Energie hervorrufen, spüren wir auch die Schatten, die im Inneren lauern, eine Erdung, die Überschwang und Ernsthaftigkeit ins Gleichgewicht bringt und ein Tauziehen zwischen Entspannung und Zurückhaltung, Chaos und Kontrolle, Dunkelheit und Licht erzeugt.
Wie gehen Sie vor, wenn Sie ein neues Werk schaffen? Was kommt zuerst?
Ich arbeite mit Ölfarbe auf Holztafeln. Die Gemälde enthalten eine Mischung aus geometrischen und organischen Formen, die durch einen intuitiven Malprozess entstehen. Das Werk ist vielschichtig, sowohl im Prozess als auch im Konzept. Jedes Gemälde beginne ich mit einem Farbauftrag. Diese Farbe kann von meiner Tageskleidung, einem Bild oder einer Erinnerung in meinem Kopf, meiner aktuellen Stimmung oder manchmal einfach vom ersten schmutzigen Pinsel, den ich in die Hand nehme, inspiriert sein. Als Nächstes folgt eine einfache Strichzeichnung, meist mit geometrischen Formen. Die ersten Schichten eines Werks strahlen eine wunderbare Freiheit aus, weil ich weiß, dass alles gerade erst beginnt. Neue Schichten kommen und gehen, werden hinzugefügt, abgekratzt, entfernt. Nichts ist für die Ewigkeit, daher ist alles möglich, was möglich ist, und das kann spannende Entwicklungen auslösen.
Ich würde sagen, dass mindestens 75 Prozent jedes Gemäldes aus meinem Bauchgefühl entstehen und ich Farben und Markierungen wähle, die ich spontan wähle, auch wenn sie mir logischerweise im Moment nicht viel Sinn ergeben. Die restlichen 25 Prozent des Prozesses bestehen darin, dass ich eine Schicht eine Weile ruhen lasse und sie über mehrere Tage hinweg betrachte und meinen nächsten Schritt plane. Diese wohlüberlegte Entscheidung kann im fertigen Werk erhalten bleiben, ist aber dennoch ein wichtiger Teil des Prozesses. So enthält das Gemälde am Ende eine geschichtete Ansammlung wohlüberlegter Entscheidungen und rein gefühlter Handlungen. Dieser Ansatz scheint bei mir am stärksten nachzuhallen.
Was können Sie uns über Ihr Studio erzählen, was macht es für Sie besonders und wie beeinflusst es Ihre Arbeitsweise?
Ich achte sehr auf meine Atelierumgebung. Die Atmosphäre, die Beleuchtung und die Privatsphäre sind mir sehr wichtig. Ich habe das Glück, ein Atelier außerhalb meines Zuhauses zu haben, sodass ich die beiden Welten voneinander trennen und mich dort ganz der Arbeit widmen kann. Das Atelier ist ein Ort der Ruhe und Stille, aber auch eine eigene kleine Mikrowelt der Introspektion, des Chaos und der Kreativität. Es ist ein Ort, an dem ich die Dinge in gewisser Weise „kontrollieren“ und in anderer Hinsicht die Kontrolle über die Richtung eines Gemäldes völlig abgeben kann. Ich liebe diese Umgebung mit ihrem ständigen Auf und Ab, in der ich ständig herausgefordert und zur Weiterentwicklung gedrängt werde.
Gibt es in Ihrem Leben ein Kunstwerk, das Sie besonders beeindruckt hat?
Die frühen Werke Willem de Koonings haben mich als jungen Künstler enorm beeinflusst und sind mir bis heute erhalten geblieben. Sein Farbsinn, sein Pinselstrich und die Energie und Leidenschaft seiner Bilder sind unglaublich. Ich war so begeistert, 2012 eine riesige Retrospektive seiner Werke im MOMA besuchen zu können – es war buchstäblich das Beeindruckendste, was ich je in meinem Leben gesehen habe.
Greifen Sie nach den Sternen: Wo werden Sie in 5 Jahren sein?
Ich habe vor, weiterhin zu arbeiten und die besten Bilder zu malen, die ich kann, und meiner Neugier und Experimentierfreude zu folgen, wohin auch immer sie mich führen. Ich würde gerne weitere Ausstellungen kuratieren und auch in größerem Umfang im In- und Ausland ausstellen.
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