Die neuseeländische Künstlerin Deborah Moss lebt und arbeitet in Wainui, Auckland. Ihr Atelier liegt auf dem Land neben einem einheimischen Wald und ihre abstrakten Gemälde sind von der sie umgebenden Natur beeinflusst.
Wie sind Sie zur Kunst gekommen?
Ich habe mich schon immer für Kunst interessiert und an der Universität Englisch und Soziologie studiert. Später in meiner Karriere beschäftigte ich mich mit bildender Kunst, indem ich als Galerieassistentin und dann mehrere Jahre als Leiterin einer Kunstgalerie arbeitete. Nachdem ich vor zehn Jahren ein Kind bekommen und aufs Land gezogen war, begann ich, meine eigene Praxis zu erkunden. Als ich meine Arbeiten in den sozialen Medien teilte, erhielt ich Angebote für Aufträge und die Teilnahme an Ausstellungen, und von da an entwickelte sich alles ganz natürlich. Einen großen Teil meiner Fortschritte verdanke ich dem Abschluss des Creative Visionary Mentoring Programme des amerikanischen Künstlers und Lehrers Nicholas Wilton und investiere weiterhin Zeit in Schulungen und Lernen, um meine Praxis zu erweitern.
Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben? Was macht Ihre Kunst besonders?
Obwohl meine Arbeiten eine gestische und expressive Qualität aufweisen, sind sie oft iterativ und vielschichtig. Der Abstraktionsgrad variiert je nach der Geschichte, die über meine Erfahrungen und Beobachtungen der mich umgebenden Natur erzählt wird. Ich empfinde meine Werke als poetisch und emotional und hoffe, dass sie dem Betrachter die Schönheit und das Geheimnis der Natur näherbringen. Oftmals wird meine einzigartige Farbwahl kommentiert und meine Werke enthalten eine interessante Mischung aus starken und zarten Elementen. Insgesamt glaube ich, dass meine Werke die besondere ländliche Umgebung widerspiegeln, in der ich lebe und arbeite und die jeden Tag etwas Neues zu entdecken bietet.
Wie gehen Sie bei der Entwicklung Ihrer Arbeit vor?
Fotos spielen bei meiner Vorbereitung eine zentrale Rolle. Ich bin oft draußen auf dem Land und mache Bilder, die ich mit ins Studio nehme.
Tagebücher werden verwendet, um Notizen zu machen, Ideen durch Collagen oder Aquarelle zu erkunden und vor dem Malen „Aufwärmübungen“ zu machen.
Manchmal beginne ich eine Serie mit einer Idee oder einem Thema im Kopf, aber im Laufe der Gespräche zwischen den Werken entstehen weitere Ideen. Ich arbeite immer an mehreren Gemälden – das hält die Sache interessant und verhindert, dass ich zu lange an einem Werk arbeite.
Ich lasse Stücke gerne mehrere Wochen oder Monate in einem Inkubationsstadium, damit ich sie mit etwas Abstand und objektiver betrachten kann.
Wer oder was beeinflusst Sie?
Meine Beziehung zur Natur stand schon immer im Mittelpunkt meiner Arbeit. Die ländlichen Ausblicke, Gärten, Wälder, Teiche, die Vogelwelt und der Himmel über den Hügeln unseres Grundstücks sind eine reiche Inspirationsquelle, und ich versuche, die Vitalität, die ich dort erlebe, in meine Arbeit einfließen zu lassen. Dieses Gefühl von Energie ist eng mit der Arbeit abstrakter Expressionisten verbunden.
Neben zahlreichen bildenden Künstlern gibt es Menschen aus vielen Disziplinen, die mich beeinflussen – Dichter, Musiker, Schriftsteller und Umweltschützer.
Was planen Sie als Nächstes?
Ich freue mich auf die Arbeit an Skulpturen und Mixed-Media-Projekten. Ich habe auch einige Ideen zur Familiengeschichte und zu frühen Siedlern, die ich weiterverfolgen möchte. Ich bin sehr daran interessiert, umweltfreundlichere Materialien in meine Arbeit zu integrieren und plane daher, mich mit natürlichen Pigmenten zu beschäftigen und meine eigenen Farben herzustellen. Es wäre wunderbar, an einem Ort zu arbeiten, der sich stark von meiner derzeitigen Umgebung unterscheidet, um zu sehen, wie sich das auf meine Arbeit auswirken würde. Ich habe kürzlich mit einer Gruppe zusammengearbeitet, die meine Arbeiten einem breiteren internationalen Publikum zugänglich machen wird. Ich bin daher gespannt auf die Möglichkeiten, die sich mir bieten.
FOTOKREDIT STUDIOBILD MIT FREUNDLICHER GENEHMIGUNG VON LARNIE NICOLSON PHOTOGRAPHY
