Henrik Reimes wurde im Schwarzwald nahe der Grenze zu Frankreich und der Schweiz geboren. Nach seinem Abschluss in Bildender Kunst im Jahr 2018 zog er zunächst nach Brüssel, bevor er 2021 nach Stuttgart übersiedelte, wo er derzeit lebt und arbeitet. Nachdem er in der Vergangenheit eher an konzeptionellen und ortsspezifischen Projekten gearbeitet hatte, konzentriert er sich nun gerne auf die ästhetische Produktion im Atelier, darunter Skulptur, Malerei und Zeichnung. 
Wie sind Sie zur Kunst gekommen?
Ich hatte schon immer das Bedürfnis, kreativ zu sein. Aber in meinem Umfeld gab es niemanden mit künstlerischem Hintergrund. Daher kam mir nicht in den Sinn, dass man Kunst professionell betreiben könnte. Stattdessen ging ich in die Werbe- und Mediengestaltung, was ziemlich spannend war. Mit der Zeit merkte ich jedoch, dass mich die rein digitale Arbeit nicht befriedigte, und begann mit Schweißen und Druckgrafik. Durch Zufall stolperte ich eines Tages über einen Vorbereitungskurs für die Kunsthochschule und wusste plötzlich, was ich machen wollte. Ein paar Jahre später schloss ich mein Studium als Künstlerin ab, was immer noch unglaublich ist. Es war die beste Entscheidung, die ich je getroffen habe.
Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben? Was macht Ihre Arbeit besonders?
Ich bin nicht wirklich daran interessiert, einen bestimmten Stil zu entwickeln und zu verfeinern. In gewisser Weise würde sich das so anfühlen, als würde ich meine ästhetischen Möglichkeiten einschränken. Natürlich gibt es Vorlieben, vielleicht sogar Gewohnheiten, was Zeichensetzung, Pinselführung und Farbkombinationen angeht – einfach eine ganze Reihe persönlicher Feinheiten und Tricks, die ich mir im Laufe der Jahre als Maler angeeignet habe. Aber ich versuche, es mir nicht zu bequem zu machen, mich nicht zu sehr an eine bestimmte Vorgehensweise zu gewöhnen. Ich versuche nicht, eine erkennbare Ästhetik zu etablieren, die ich dann immer wieder wiederholen muss. Deshalb arbeite ich gerne in Serien: Jede ist eine Gelegenheit für etwas anderes, ein neues Spiel mit neuen Regeln, die man selbst erfindet. 
Wie gehen Sie bei der Entwicklung Ihrer Arbeit vor?
Ich sammle ständig „Dinge“, die mich faszinieren oder irritieren. Das können unbeabsichtigte ästhetische Phänomene im öffentlichen Raum sein, etwas, das ich lese, oder ganz wörtlich etwas, das ich auf der Straße finde. Sie sind wie kleine Samen in meinem Hinterkopf. So habe ich immer etwas, woran ich weiterarbeiten kann, wenn ich das Gefühl habe, dass das Problem, mit dem sich die aktuelle Serie beschäftigt, ausreichend gelöst ist oder vorerst seine Dringlichkeit verloren hat. Manchmal entwickelt eine neue Serie einen Aspekt einer älteren weiter, aber sehr oft zieht es mich zu etwas ganz anderem. Dann muss ich mich erst einmal mit dem Problem auseinandersetzen, seinen Umfang erforschen, Materialien testen, Skizzen in verschiedenen Maßstäben anfertigen usw. Dieser Prozess dauert in der Regel einige Wochen, in denen ich viel Spaß am Experimentieren habe, mich aber manchmal auch verzweifelt und dumm fühle, weil die Dinge einfach nicht so funktionieren, wie ich es mir vorgestellt habe. Also ganz normaler Künstleralltag... Sobald ich mich bereit fühle, mache ich mich an die „eigentliche Arbeit“, die eher wie die Spitze des Eisbergs dessen erscheint, was zuvor getan werden musste, um an diesen Punkt zu gelangen. 
Wer oder was beeinflusst Sie?
Meine alltägliche Umgebung beeinflusst meine Arbeit. Ich lebe und arbeite in der Stadt, und in diesen dicht besiedelten urbanen Gebieten ist so viel los, vor allem auf visueller Ebene. Ich liebe Graffiti, Tagging und Sticker, vor allem, wenn diese Elemente und Stile so vieler verschiedener Menschen aufeinander aufbauen und vielschichtige visuelle Narrative schaffen. Dasselbe gilt für Gebäude und Infrastruktur, irgendwo zwischen Neubau, Renovierung und Verfall: Ich liebe das ungewollte Zusammenspiel von Rissen und Löchern, Farbe und Putz und so weiter. Natürlich gibt es Künstler (so viele!), deren Arbeit ich bewundere, von Per Kirkeby, Willem de Kooning, Helen Frankenthaler über Amy Sillman, Charline von Heyl, Thomas Scheibitz bis hin zu großen Künstlern meiner Generation wie Jana Schröder, Melike Kara oder William Ludwig Lutgens. Aber das Wichtigste ist, Teil eines Netzwerks von Künstlerkollegen zu sein, die sich gegenseitig unterstützen. Künstler zu sein bringt viel Unsicherheit und Zweifel mit sich, daher ist es wichtig, zu teilen und sich zu engagieren. Wenn Sie dies weiterhin tun möchten, brauchen Sie Menschen, die mit der gleichen Leidenschaft dabei sind wie Sie.
Machen Sie uns neugierig. Was planen Sie als nächstes?
Ich habe kürzlich eine Reihe größerer Gemälde fertiggestellt (Bilder davon sind hier zu sehen), in denen ich ausschließlich schwarze Farbe auf weißer Leinwand verwendet habe, um in die Vielfalt von Pinselführung und Kontrasten, fließenden und gebrochenen Linien, sanften Grautönen und strukturiertem Schwarz einzutauchen. Das nächste Werk geht also in eine ganz andere Richtung. Ich arbeite an kleineren, recht farbenfrohen Gemälden auf ungrundierter Leinwand und spiele mit Kompositionen, die viel dichter und in sich geschlossener sind. Sie sind außerdem im Hochformat, was vielleicht der Grund dafür ist, dass ich sie insgeheim „Köpfe“ nenne. Ich bin noch ganz am Anfang meiner Überlegungen, wie ich meine Vorstellungen umsetzen kann, daher ist es gut möglich, dass ich in eine Sackgasse gerate. Aber ich bin ziemlich zuversichtlich, dass ich mich da durchwursteln werde … 
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