Jared C. Deery lebt und arbeitet in New York City und hat in Chicago, Denver, Los Angeles, New York, Mailand und Berlin ausgestellt. Er hat am Salone del Mobile in Italien und an der Saint-Etienne Design Biennale in Frankreich teilgenommen. Geboren 1980 in Philadelphia, Deery zog 1997 nach New York und erhielt 2001 seinen BFA mit Auszeichnung vom Pratt Institute und 2009 seinen MFA am Hunter College. 
Erzählen Sie uns Ihre Geschichte. Warum sind Sie Künstler geworden?
Meine Eltern waren beide Künstler. Obwohl wir während meiner Kindheit viel umgezogen sind, lernte ich schon in sehr jungen Jahren, die Neugier, Vorstellungskraft und Selbstständigkeit zu schätzen, die das Künstlerdasein mit sich bringt. Ich versuchte, diesem Drang zu widerstehen, aber der Wunsch, meine Erfahrungen in der Welt zum Ausdruck zu bringen und zu gestalten, wurde bald zu einer treibenden Kraft, der ich mich direkt stellen wollte. Ich finde, dass das Schaffen und der Ausdruck der Malerei für mich die beste Möglichkeit ist, auf die aktuellen Herausforderungen der Welt zu reagieren und bedeutungsvolle und heilsame Schönheit für andere zu schaffen.
Wie gehen Sie vor, wenn Sie ein neues Werk schaffen? Was kommt zuerst?
Ich beginne die Schaffung neuer Werke oft mit vielen schnellen Zeichnungen, um auf einen unbewussten Teil meiner selbst zuzugreifen und mir selbst nicht im Weg zu stehen. Diese Suche geht weiter, während ich Oberflächen und Farben vorbereite und darauf warte, dass sich mir das Werk offenbart. Aktives Warten ist in den ersten Schritten wichtig, um tiefere Emotionen zu ergründen und eine starke Beziehung zum Bild und seinen möglichen Bedeutungen aufzubauen. 
Was können Sie uns über Ihr Studio erzählen, was macht es für Sie besonders und wie beeinflusst es Ihre Arbeitsweise?
Ich arbeite derzeit in einer alten Rolltorgarage, die ich zusammen mit einem Künstlerkollegen ausgebaut habe. Dieser große Raum vermittelt beim Erstellen und Betrachten meiner Werke ein Gefühl von Freiheit und Freiheit. Ein großer offener Raum, in dem sich Dinge bewegen oder verschieben können, bedeutet, dass wir nie isoliert sind und nie völlig unabhängig voneinander arbeiten. Dieser Austausch hilft uns, jede Art der Nabelschau zu vermeiden und führt uns zu Bereichen unserer Arbeit, die wir vielleicht nicht gefunden hätten, wenn wir ganz allein gewesen wären. 
Gibt es in Ihrem Leben ein Kunstwerk, das Sie besonders beeindruckt hat?
Die ersten Werke, die mich auf wahrhaftige Weise an die Macht der Kunst glauben ließen, sah ich mit etwa 10 Jahren bei einer Retrospektive von Mark Rothko in Washington, D.C., zusammen mit meiner Mutter. Ich erinnere mich noch gut an eine Fliege, die landete und von der sie keinen intensiven, tiefroten Farbton mehr bekam. Später erkrankte ich als junger Student auf einer Italienreise zum ersten Mal am Stendhal-Syndrom, zufälligerweise in Florenz, als ich vor Da Vincis „Anbetung der Heiligen Drei Könige“ stand, einem unvollendeten Werk. Es war überwältigend für mich, direkt in seinen Entscheidungsprozess hineinsehen zu können, und ich blieb erschüttert, weinend und gelähmt mitten in der Uffizien-Galerie zurück. Ich zittere noch heute, wenn ich daran denke.
Greifen Sie nach den Sternen: Wo werden Sie in 5 Jahren sein?
In etwa fünf Jahren sehe ich mich immer noch in New York malen und die Sommer in Europa verbringen, wobei ich die Psychologie, Symbolik, Größe und chromatischen Elemente, die derzeit in meinen Gemälden stecken, weiter ausarbeite. Ich hoffe, tiefere, bedeutungsvollere und magischere Wege zu finden, um meine Erfahrungen in dieser Welt auszudrücken. 
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