Kevin Hoover wurde 1962 in Seattle, Washington, USA, geboren und lebt seit seiner Kindheit im pazifischen Nordwesten. Derzeit lebt er in Bellingham, Washington, zwischen Seattle und Vancouver, British Columbia. Seine Werke sind und waren in Galerien, jurierten Ausstellungen und anderen Veranstaltungsorten im gesamten Nordwesten zu sehen. Während seiner Highschool-Zeit absolvierte Kevin einen kunstintensiven Studiengang und ist nach langer Abwesenheit seit 2020 ein wiederauflebender Künstler. 
Wie sind Sie zur Kunst gekommen?
Abgesehen von Kunstprojekten in der Grundschule machte ich meine ersten richtigen Erfahrungen mit dem Studium und der Ausübung von Kunst zu Beginn meiner Highschool-Zeit im Alter von 14 Jahren. Ich besuchte eine recht fortschrittliche Schule in einer kleinen Stadt nahe der kanadischen Grenze im Staat Washington, wo die Schüler zwischen verschiedenen Hauptfächern wählen konnten … unter anderem konnte ich zwischen Kunst und Visueller Kommunikation wählen, zwei Fächer, die vom selben Lehrer unterrichtet wurden. Ich verbrachte während meiner Highschool-Zeit jeden Tag in seinem Klassenzimmer und beschäftigte mich mit allen möglichen Disziplinen wie Malerei, Keramik, Töpfern, Druckgrafik, Grafik, Filmemachen und mehr. Es war eine außergewöhnliche Zeit, aber ich dachte nicht daran, nach der Highschool darauf aufzubauen oder eine Karriere daraus zu machen, und wandte mich als Erwachsene anderen Beschäftigungen zu … wo ich viele Möglichkeiten zum kreativen Ausdruck fand, aber nicht wirklich Kunst machte. Erst vor vier Jahren begann ich wieder zu malen und habe seitdem nicht mehr damit aufgehört.
Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben? Was macht Ihre Arbeit besonders?
Durchdrungen von Schichten aus Textur, Farbe, Muster und Bewegung sowie reinem intuitiven Gefühl, um nur einige zu nennen; Bildlichkeit ist zweitrangig. Wo sie existiert, ist entweder ein glücklicher Zufall oder liegt im Auge des Betrachters … Jeder, der meine Kunst betrachtet, sollte sich frei fühlen, sie auf seine eigene Weise zu erleben und zu interpretieren. 
Wie gehen Sie bei der Entwicklung Ihrer Arbeit vor?
Der einzige gemeinsame Ausgangspunkt meiner Arbeit ist eine leere Leinwand, die mit einem strukturierten Material überzogen wird, bevor ein Punkt erscheint. Die Richtung ist manchmal im Voraus festgelegt, meistens aber nicht … Es kann mit einem oder mehreren zufälligen Strichen, einem Farbfeld, mehreren Schichten von Lavierungen oder etwas anderem beginnen, das ich spontan wähle. Am Ende möchte ich, dass das Werk Tiefe hat; der Weg dorthin kann jedes Mal anders sein. 
Wer oder was beeinflusst Sie?
Ich lasse mich oft von der Natur inspirieren – Muster und Texturen, die in Bäumen, Blättern, Steinen und Felsen, Wolkenformationen, Wasserfällen und Sonnenuntergängen zu finden sind. Nichts davon taucht buchstäblich in meiner Arbeit auf, aber sie inspirieren mich zu Ideen. Weitere Einflüsse finden sich im Abstrakten Expressionismus, Kubismus, der zeitgenössischen Kunst und Architektur des Nordwestens sowie im modernen Stil und Design. Die ersten Künstler, die ich kennenlernte und erkannte, waren Miro und O'Keeffe. In jüngerer Zeit hat mich die Entdeckung der zeitgenössischen Werke Gerhard Richters dazu angespornt, wieder kreativ zu werden.
Machen Sie uns neugierig. Was planen Sie als nächstes?
Kürzlich habe ich einige kleinere Studienarbeiten mit stark strukturierten Farbfeldern angefertigt, die ich gerne in größerem Maßstab auf andere Oberflächen (außer Leinwand) übertragen möchte. Ich interessiere mich auch für mehrteilige Arbeiten, die in verschiedenen Konfigurationen zusammen oder einzeln, jeweils für sich, bestehen können. Geometrische und grafische Formen interessieren mich immer. Wie immer weiß ich erst genau, was ich mache, wenn es Gestalt annimmt. 
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