Michael Kempen ist ein abstrakter Maler aus Milwaukee, Wisconsin. Seine kontrastreichen, scharfkantigen Formen sind bewusst mehrdeutig und lassen jedem Betrachter Raum für eine eigene Interpretation und persönliche Bedeutung. 
Erzählen Sie uns Ihre Geschichte. Warum sind Sie Künstler geworden?
Seit meiner Kindheit war ich eine besessene Zeichnerin, aber das war alles sehr flüchtig. Ich hatte Zeichenblöcke, aber auch viele Kritzeleien in den Rändern von Notizbüchern und auf Notizzetteln. Ich hob große Pappstücke auf, um sie mit weißer Innenfarbe zu bemalen. Ich habe kontinuierlich – wenn nicht manchmal sogar fast zwanghaft – produziert und es hat mir großen Spaß gemacht. Doch trotz all dieses Interesses hat mir der typische Zeichen-/Kunstunterricht nie viel Freude bereitet. Ich habe nie nach absolutem Realismus gestrebt. Ich schaffte den Sprung von dem, was mir am selbstständigen Schaffen gefiel, zu den traditionellen Aspekten der Kunstausbildung nicht. Im Nachhinein ist mir klar, dass das alles dazu gedacht war, meine handwerklichen Grundkenntnisse zu verbessern, aber damals hatte ich einfach kein Interesse daran, eine Obstschale originalgetreu mit verschmiertem Graphit nachzubilden.
Seit meinem Hochschulabschluss ist strategische Kommunikation, sei es im Bereich Schreiben oder Design, das oberste Ziel meiner beruflichen Tätigkeit als Creative Director. Im Gegensatz dazu befreit mich meine künstlerische Tätigkeit von dem Zwang, nur das zu schaffen, was ich systematisch erklären/begründen kann. Sie ermöglicht es mir, in einer Welt chaotischer und grober Abstraktion zu spielen – einem Kunstbereich, der mir schon immer Spaß gemacht hat – und dabei mit Formen und Beziehungen zu arbeiten, die von etwas vage bis bewusst mehrdeutig reichen. Ich möchte Dinge malen, die gerade so viel Bedeutung haben, dass die Leute sich fragen, was sie sind, aber nicht so viel, dass sie es mit absoluter Sicherheit sagen können.
Wie gehen Sie vor, wenn Sie ein neues Werk schaffen? Was kommt zuerst?
Manchmal kommt die Idee aus dem Nichts. Wie es meist irgendwo oder irgendwann ungünstig passiert, erscheinen sie zunächst als hastig angefertigte Skizzen auf allem, was gerade zur Verfügung steht.
Manchmal gehe ich mit einem Ideenfragment ins Atelier. In 60 bis 70 % der Fälle beginne ich mit einer Zeichnung. Ich nehme einen Bleistift, Buntstift oder Farbstift und zeichne schnell hintereinander ein Dutzend Blätter Papier. Ich zeichne dasselbe, aber jedes Mal sieht es anders aus. Das ist der einfachste Weg, um die subtileren Aspekte von Formen und ihren Beziehungen zu ergründen. Manchmal schneide ich auch Papierformen aus und ordne sie an, um zu sehen, ob etwas dabei herauskommt – wahrscheinlich habe ich da ein bisschen von Matisse geklaut, aber es macht Spaß.
Manchmal ist es das Ganze. Manchmal ist es so einfach wie eine interessante Kurve oder Ecke. Letztendlich werden all diese kleinen Dinge zu Studien und Referenzpunkten für die Ausführung des endgültigen Gemäldes. 
Was können Sie uns über Ihr Studio erzählen, was macht es für Sie besonders und wie beeinflusst es Ihre Arbeitsweise ?
Es steht in meinem Keller. Für mich ist Nähe das Wichtigste. Ein Raum innerhalb meines Zuhauses gibt mir das Gefühl, er ist fester Bestandteil meines Alltags und nicht nur eine separate Aufgabe, der ich nachgehe. Wenn ich eine Idee habe, kann ich einfach loslaufen und sie skizzieren. Selbst wenn ich nicht in die Tiefe gehen kann, kann ich alles für das nächste Mal vorbereiten. Wenn zwischen Idee und Umsetzung nur ein paar Stufen liegen, können sich weniger Variablen einschleichen. Außerdem gibt es einen Videorekorder, der an einen alten Röhrenfernseher angeschlossen ist, und man hat leichten Zugang zu Bier und Snacks. Ich nehme an, das kann manchmal auf seine eigene Art variabel sein. 
Gibt es in Ihrem Leben ein Kunstwerk, das Sie besonders beeindruckt hat ?
Nach dem College hatte ich mich mit der Malerei beschäftigt, als ich eines von Frank Stellas schwarzen Gemälden persönlich sah. Ich sollte den Titel wahrscheinlich kennen, aber ich erinnere mich nur, dass es ein großes Rechteck im Hochformat war. Es als riesiges Ganzes zu erleben und gleichzeitig die Details nur wenige Zentimeter von meinem Gesicht entfernt wahrzunehmen – das war auf eine Art und Weise mehrdimensional, die ich nicht erwartet hatte. Das visuelle Konzept dieser Gemälde ist recht simpel und direkt, und wenn sie in einem Buch oder auf dem Bildschirm wiedergegeben werden, wirken sie so monolithisch. Leider überschattet dies auch viele Nuancen und Details, die man aus der Nähe sieht. Es fühlte sich menschlich an. Die Leinwand fing die Umsetzung der Idee ein. In diesem Moment wusste ich, dass ich voll und ganz auf das Keuchen setzen würde.
Im Milwaukee Art Museum, das ich jedes Mal besuche, wenn ich dort bin, hängt noch ein anderes Gemälde von Frank Stella – eine seiner großen, geformten Leinwände. Sowohl in der Farbkombination als auch in der Form ist es eines der besseren Beispiele seiner Serie, aber was ich besonders schätze, ist, dass es bei näherer Betrachtung viele Spuren seiner Entstehung zeigt – Bleistiftlinien, halbtransparente Farbverläufe, die die Schichtung zeigen, ungewöhnliche Schnitte und Klammern in der Leinwand, um der untypischen Form gerecht zu werden, usw.
Greifen Sie nach den Sternen: Wo werden Sie in 5 Jahren sein?
Je älter ich werde, desto mehr schätze ich langsames, nachhaltiges Wachstum. Ich sehe, wie die kleinen Schritte, die ich vor Jahren gemacht habe, zu dem geführt haben, was ich heute habe. Deshalb werde ich mich nicht beschweren, wenn ich in fünf Jahren „nur“ fünf Jahre besser in dem bin, was ich tue. Hoffentlich wächst das Interesse an meiner Arbeit entsprechend.
Trotzdem möchte ich noch eines mit auf den Weg geben: Das Internet war mir als Künstlerin wohlgesonnen (ich habe viele tolle Menschen aus aller Welt kennengelernt), aber ich möchte lieber in einem physischeren, persönlichen Umfeld ausstellen. Eine Sammlung als eine einzige Geschichte in einem Raum zu präsentieren und eine Atmosphäre zu schaffen, die eine digitale Präsentation nicht vollständig ermöglicht. Das Ganze wird mehr als die Summe seiner Teile und ist für den Betrachter letztendlich immersiver. Ich habe einige Konzepte skizziert, aber ich möchte noch den richtigen Ort finden. 
Fotos von: Kenneth Møller
Erfahren Sie mehr über den Künstler:
